I ESCAPE IN THE NOW AND I COMPOSE THE NEW. 
I OBSERVE AND I WANDER.
WE FIND DIFFERENCES ONLY IN THE EVIDENT
– IT’S A LOST SPACE, RIGHT BEFORE
THE FUTURE SEEMS TO BEGIN.
OFTEN EVERYTHING SMELLS SO COMMONLY FOREIGN:
PEOPLE PASSING BY
WHILE
A PALE YELLOW DIZZINESS IS FILLING THE AIR
AND A SOFT SHARPNESS OF CLOUDS APPEARS AT
THE UNDEFINED HORIZON.
I CAN TELL YOU MORE ABOUT THE PLEASURE OF THIS DAY,
ABOUT THE SUNLIGHT COATING THE PAVEMENT AT 4PM
AND THE FOG SPIRITS THAT BURST THROUGH.
ABOUT THE LIGHTS
THAT
WALK OFF INTO A FAR DISTANCE.
THE FUTURE SOMEWHERE BEHIND ME

WHILE
ROMANTICISM IS CLASHING WITH THE SMELL
OF THE UNKNOWN. I REMOVE TIME SO I CAN FLOAT.
AND I KNOW:
WE ARE ONLY HERE BRIEFLY ANYWAY.

EXOTIC HINTS WITH NO HONEST DESTINATION
GUIDE ME THROUGH THE DAY.
I READ MEMORIES IN THE STREETS OF
SPECTACULAR MONOTONY WHERE FACTS AND
FANTASIES CO-EXIST: IN THESE STREETS

THERE IS NO FEAR OF TOMORROW,
THERE IS NO CONCEPT OF TIME. BUT

I SEEK AND FIND THOSE FEW BRIEF SECONDS
THAT HAVE NEVER BEEN BUT WILL BE.
AND I KNOW:
NOTHING IS AS IT WAS JUST A MOMENT AGO.

SO I WALK – ALMOST AS A MANUAL FOR A
VERTIGINOUS KIND OF JOY AND
I ABANDON MYSELF TO IDLENESS.
I’M SEDUCED BY THE THOUGHT OF INCLUSIVE
SOLITUDE AND I’M SEDUCED BY THE PRESENT.

YET, I KNOW THERE IS A LACK OF
PHYSICAL BOUNDARIES.
YET, I KNOW
IT’S NEVER TOO LATE TO SEEK A NEWER WORLD.

In a world that is driven by the future instead of the present, we are constantly searching for ways to express ourselves through new, unique and as individual as possible forms of creativity. Forms which, in the end, are often interpreted – quite easily and somehow negatively – as anti. Against. Different. But then what does anti actually mean if our most successful pop(-ular) star suddenly drops an album called »Anti« that will hit the Billboard Charts in the next week? An album that will probably again soon be one of the most pleasing and mainstream-accepted music albums. Rihanna took to social media to explain its meaning: »By continuing to follow her own instincts, her work strives to make an impact by doing the very antithesis of what the public expects.« Ironically our definition of anti almost feels like the antithesis of anti itself nowadays: Don’t follow the trend. Be yourself. Be true to yourself. No other proclamations and options of self-expression have been more leading and trendsetting in recent years. But what does anti really mean in a world where the word somehow already seems to have become so standardised? Looking at photography, you almost get the feeling that the widespread censorship of photos – something being too risky, too different, too dirty or too anti – is intervening in our present photo aesthetic, predominantly the digital one. Laughing smileys and hearts replace body parts, destroying the picture and its understanding. The cute pictograms have become part and parcel of our digital vernacular. Since the rise of social media apps and the simultaneous lockdown on »inappropriate« content, however, emojis have also come to serve a different purpose. It’s the antithesis of expression, of being yourself – censorship. We seem to be afraid to show in a 1080x1080-pixel miniature Instagram image or on a magazine cover what Helmut Newton showcased in the 70s in large format prints. And yet, we still believe we are more provocative than ever before. So, what is actually out there that makes us still believe in the existence of the anti? The different? The new? Decades ago, artists and photographers such as Wolfgang Tilmans and Jürgen Teller started what has now became a visual guideline and counterpart to the antique view on beauty and prettiness in fashion photographs for a new generation. They showed us visually that there was something still to discover that had the potential to be an antithesis of the existing. And by the time Vivienne Westwood commissioned Teller for her campaigns, we had gotten curious. Meanwhile, entire magazines came up with or even changed their existing identities in order to push towards a different way of looking at things and interpreting fashion and beyond. Complete editorials and layouts follow a new wave of Arial Bold and »consciously mistaken« fashion shots in praise of new forms of aesthetic. Eyes half closed, legs too spread. Everything sort of misplaced or, just real? You can love it or hate it but that’s not really the point here. Curiosity is the goal. Magazines such as the Swiss French »novembre« seem to be as anti and as good as it can get by today’s standards. Even if there hasn’t been a new issue for almost one and a half years now, it has still left a remarkable impact on style and design in the industry. The magazine itself describes its intentions and concept as »While proposing intergenerational discussions that explore the power structures in which images and technology occupy decidedly ambiguous positions, we like to nurture the emerging, the outsiders, the arrivistes, the ugly, the dirty, the failed, the exaggerated and honestly wonder about the today’s definition of »bad taste«.« When a magazine like »novembre« is printed as high-gloss as possible with highly intellectual content, the question of »bad taste« seems somehow to move automatically closer to the idea of a new understanding of beauty and aesthetics. Reality in publications like »novembre« feels a little more present and starts to replace the surreality of wrong body images or hyperactive post-production. Added to this, photographers of this new generation such as German-born Till Janz or English newcomer Harley Weir are cautiously starting to showcase a new direction and interpretation of fashion photography through their lenses. They seem to be reinterpreting the golden-cut on their terms and have made conscious new decisions to show us as truly beautiful as we are, rather than as we would like to be. What our sleek mainstream fashion mind paradoxically seems to interpret as anti turns out in the end to be just a bit more real and less fantastic. Harley Weir in her own terms is another example of a promising, open-minded polymath, and she might already be the most successful one of her generation at the age of just 26. The reality in her work is omnipresent in the content of the image itself. It’s intelligent and interesting. Something goes beyond the surface in her images. In one of her latest fashion editorials she shot life and faces on the streets of Dakar, documenting instead of staging: Reality rather than a dream. Examples like these, from publishing companies to individual photographers, show us that it might be time to retrain our trendy eyes and re-educate our stylish minds. The new credo for now could be: When it gets as real as possible, we might just be as anti as possible. As new as possible. (And in Rihanna’s case: The New York Times title today: »Anti« sells fewer than 1,000 copies (…) Her lowest debut position. So perhaps the title of this article right here will be changed at some point. Which wouldn’t be the worst thing after all.)
Published 2016 via Previiew

Im Zug, Berlin – Karlsruhe, 2019
Spotify-Listen werden erstellt: "neu A-B-C-D" und "neu E-F-G-K".
In-ears als Flucht gegen rauschende Mikrofon-Ansagen.
wer in Freiburg aussteigt, muss nicht wissen,
dass er IN Göttingen HÄLT. 
Die Bahnsteige geschmückt IN undefinierteM Blau.
Ein Blau in dem so wenig los ist wie auf den Bahnsteigen selbst.
Im Zug spielen auf Platz 77, Wagen 4 die Dresden Dolls.
YouTube.
Nebendran ein Online-Spanischkurs: "Darf ich Ihnen das
Dokument wieder zurückgeben?"
steht da.
Ein Junge weint vor unserem Abteil.

Fragmente einer Unterhaltung, älterer Mann und alte Dame am Nebentisch, 2018
Macchiato, Zucker.
Nicht versagen, den Arzt fragen sag ich da, probieren
geht über studieren.
Die hat das nicht hingekriegt. Es kommt wirklich auf
den Milchschäumer an.
Bis ich zu dieser Sorte gekommen bin habe ich auch
viele Frösche geküsst. 
Der Milchschäumer kostet bei WMF nen Hunderter.
Na, jetzt kannst du ja wieder Farben sehen.
Rechts links, links rechts.
Vorher warst du ja auf dem linken Auge blind.
So meine Liebe.
Ach Axel.
Ich nehme nur noch eine Gabel.
Tschüss.

Zwei jüngere Frauen am Nebentisch, vietnamesisches Restaurant, 2018
Der Deal ist super mit ProSieben, 1,3 Millionen Follower. 
Na so Insta, ne?
Shaper Republic ist übrigens ein ProSieben Produkt.
Das gleiche müssen wir jetzt aufziehen. 
Es gibt auch noch ne größere deutsche Sportlerin.
12 Wochen Programm auf ProSieben, was die so
erfolgreich vermarkten und so. Die sind alle unter Vertrag.
ProSieben ist groß.
Dann meinte ich ich hab so viele Ideen,
darf ich mitkommen? Und die meinten, ja mach.
Ach die Michelle. Also das ist ja meine Cousine. 
Ich glaube die versucht sich gerade selbstständig
zu machen für Performance Marketing.
Aber die haben ja das Budget weißt du. Oben die, unten wir.
Aber Influencer ist super.
Ich muss mich einfach fokussieren und eine Vision haben.

Schöneberg, Kneipe, zwei Frauen, zwei Männer, 12:15 Uhr
Jetzt hab ich noch nen Geburtstagstattoo bekommen,
einen Zylinder.
Ich hab nen Riesenbaum und ne Eule.
Dann sag lieber guter Mann ich hab 70 Euro.
Ich habe sehr viele Freunde die bei ihm waren.
Ich hab übrigens auch noch nen anderen
Tätowierer kennengelernt. Und hier oben habe ich
Spongebob.
Wir haben das mit Farbe abgetrennt.
Sternschnuppen-Gesicht finde ich ganz schlimm.
In Form einer Augenbraue hat sie da "Freak" stehen.
15 Uhr hier um die Ecke reingehen.
Ich sag Mike Bescheid. 
Ich hab immer Ersatzschmuck in der Tasche,
Plastiktütchen mit Vorrat. War mal weg im Kino.
Brauchst bloß im Internet gucken.
Die sagen alle zu mir, wenn du aus dem Balkon guckst
dann weißt du wo du später bist. 
SAg ich, ne nicht aufm Friedhof, ich spende
meinen Körper der Charité.
Lauter Billig-Klamottenläden.
Tegel geboren, Wedding aufgewachsen.

Ausstellung, bürgerliche Frau und bürgerlicher Mann reden über Bild 90, 2018
Schöne Obstschale. Seh ich da.
Ich glaube sie will am liebsten,
sie möchte wieder nach Hause.
Das ist nur ein Fisch.
Und was ist das hier?
Ach ne das ist von hinten.
Aber guck mal ganz wichtig ist die Tür.
Es gibt immer einen Weg zurück.
Und das ist der Hinweis auf die Antike. 
Oh das mag ich nicht – das Bild.

Bild 94, Gruppe aus vier älteren Personen
Dietrich, das muss derselbe Maler sein.
Genau wie das andere Bild.
Warte mal, warte mal, lass mich mal sehen.
Ist wie bei Neo Rauch. 
Ach ja, nicht schlecht.
Das finde ich gut.
Oh ja, das ist ein tolles Bild.
Ja. Das ist ein abnehmbarer Kragen und
dann hat er darüber gemalt.
Ganz pfiffig eigentlich.
Didi?
Wir müssen noch ein Bild besprechen.

Bild 118, Sommermorgen
Es ist Winter.
Ja das stimmt.
Keine Leute auf der Veranda.
Stimmt ja ist richtig. 
Also Rot ist ja immer für Feuer,
also Feuergefahr. 
Und das?
Das sind Wollreste.
Sie saß da auf der Veranda und hat gestrickt.

Analytisch, emotional, rau, unangepasst und allem voran stets auf der Suche nach dem passenden »Vibe«. Marta Marques und Paulo Almeida geht es um das große Ganze und Mode dient ihnen dabei als Ausdrucksmittel. Grenzen zwischen Arbeit und Privatem kann man da schwer ziehen. An Geheimnisse glauben sie nicht, an die Wichtigkeit von Unterschieden dafür umso mehr. Marta über Paulo, Paulo über Marta.

Marta: »Wenn du in Portugal aufwächst, dann denkst du nicht daran, dass du mit Mode eine ernsthafte Karriere machen kannst. Ich bin in einer Vorstadt Portos groß geworden und da lernt man in der Regel, einen soliden Beruf auszuüben – mehr Kopf als Herz ist bei solchen Entscheidungen oftmals dabei. Am Anfang fühlte es sich unbeständig und vergänglich an, dass Risiko einzugehen, Modedesign zu studieren. In den ersten Wochen während des Studiums traf ich dann Paulo. So genau kann ich mich gar nicht mehr daran erinnern. Es war aber eine dieser merkwürdigen Situationen, in denen man realisiert, dass die Chemie zwischen dir und deinem Gegenüber sofort stimmt und man einen natürlichen Dialog miteinander beginnt. Da steckte viel Ehrlichkeit und Direktheit drin. Im Grunde haben wir sehr unterschiedliche Persönlichkeiten. Aber gerade an diese Gegensätze, die unseren Dialog so spannend machen, glaube ich auch. Paolo hat einen viel analytischeren Ansatz. Ein Journalist meinte einmal zu uns, dass es eine sehr klischeebehaftete Arbeitsweise sei, und er leider recht. Paulo ist auf Konstruktion und Produktion fokussiert. Hat ein phänomenal visuelles Gedächtnis und packt alle Erinnerung in seine Entwürfe. Bei mir geht es primär um die Atmosphäre. Wohin wollen wir gehen? Warum ist etwas relevant? Was ist unsere Vision? Auf eine Kollektion übertragen bedeutet dies, dass ich einen Vibe kreieren will. Etwas, das also viel abstrakter und nicht so leicht zu greifen ist. Gleichzeitig jedoch viel dimensionaler werden kann als reine Farben oder Stoffe. In einer Stimmung steckt mehr Leben. Paulo schafft es, das Ideelle in meinem Kopf in die Praxis umzusetzen. Er realisiert den Gedanken, die Stimmung, und ist detailverliebt. Ich bin so fest davon überzeugt, dass wir uns beide gegenseitig bedingen, sodass ich mir – erschreckenderweise – noch nie Gedanken über einen Arbeitsweg ohne ihn gemacht habe. Der Punkt, dass es zwischen uns kritisch werden und ich daran zweifeln würde, was wir da täglich machen, war innerhalb der letzten zehn Jahre einfach noch nie da. Wir haben ja auch keine Geheimnisse voreinander. Reden zu viel und über alles. Das ist ehrlich gesagt doch ziemlich komisch, oder?«

Paulo: »Ich denke, Marta wird nie ganz begreifen was ich tue. Wir sind in vielen Dingen einfach sehr unterschiedlich. Der Punkt, an dem wir uns zusammenfinden ist die Leidenschaft und die gegenseitige Überzeugung voneinander. Wir respektieren uns und vertrauen einander völlig. Wohl auch, weil wir so ähnlich aufgewachsen sind. Wir sind beide in einem Land geboren, das uns  mehr als in unserer Inspiration, in unserer „seriösen“ Arbeitsethik geprägt hat. Das was wir machen, nehmen wir einfach sehr ernst. London hat mich danach auf eine ganz andere Weise bestärkt und ist bis heute Hauptkatalysator unserer Arbeit. Was immer wir machen, und so dogmatisch es klingen mag, machen wir aufgrund vonLondon. Portugal spielt in anderen Bereichen eine wichtige Rolle, aber sicherlich nicht in unserer Kreativität. Bevor wir entschieden haben, gemeinsam unsere eigene Marke zu kreieren war es uns unglaublich wichtig, als Individuum zu designen und ein voneinander unabhängiges Studium zu absolvieren. Erst während der gemeinsamen Abschlusskollektion wurde uns klar, dass wir die nächsten Schritte zu zweit gehen sollten. Unsere Wohnung wurde zum Atelier, Arbeit zu Privatem, Privates zur Arbeit. Unbewusst haben wir alle Trennungen dabei aufgehoben, aber für uns funktioniert das extrem gut. Im Gegensatz zu Marta gestalte ich die feminineren Entwürfe, lasse mich vielmehr von den weicheren Silhouetten und Ansätzen einer Kollektion leiten. Marta hingegen interessiert sich für Dekonstruktion und japanisches Design. Zu Beginn einer jeden Entwurfsphase ist sie diejenige von uns beiden, die versucht einen Vibe zu kommunizieren. Ich errate dann meist, wie diese Stimmung als Kleidungsstück aussehen könnte und bringe ihren Gedanken auf mein Papier. Wenn sie also für das Gesamtbild zuständig ist, so bin ich es für den Ausschnitt. Gemeinsam spielen wir aber beide sehr gerne mit der Idee, etwas beinahe geschmackloses, etwas hässliches zu kreieren. Etwas, an das die Augen noch nicht gewöhnt sind. Selten geht es in unseren Ansätzen um das Schöne oder Ansehnliche. Wir kreieren stets eine bestimmte Person, bevor wir ein Kleidungsstück designen. Der Inhalt prägt das Tragbare, nicht umgekehrt.«
Published L’Officiel Germany, Print Issue Jan/Feb 2017

»Künstler und Geschichtenerzähler sind unsere Träumer – sie sind diejenigen, die unsere neuen Wirklichkeiten erschaffen. Denn einzig ihre künstlerischen Anstrengungen eröffnen uns Wege von noch nie dagewesenen Philosophien«, schreibt der Autor und Verleger Jefferson Hack in seinem neuen Buch We can’t do this alone. Es ist eine Hommage an Künstler die bereit sind, alles für ihre Kunst zu riskieren. Künstler die ihre und unsere Daseinsberechtigung hinterfragen. Bei David LaChapelles Fotografien gab es noch nie einen Mittelweg: Man liebt oder hasst sie. Seine Aufnahmen sind laut, voyeuristisch, so beladen mit kunsthistorischen Referenzen wie mit Sex. Sie sind bis aufs Maximale poliert, glatt und endlos fantastisch. So hyperrealistisch, dass einem beim Anblick beinahe schon die Augen wehtu; David LaChapelle ging es vielleicht schon immer um das Schöne, aber niemals um das Gefällige. Wenn Zeitgenössin Annie Leibovitz danach suchte, ihre Subjekte schön aussehen zu lassen, so ging es LaChapelle stets um das Konzept. Und Nur wenigen Künstlern seiner Generation gelingt es, Popkultur und Zeitgeist mit solch einer Pluralität zu durchkreuzen. »Ich war ein Außenseiter in der Modewelt und nun bin ich ein Außenseiter in der Kunstwelt. Ich fühlte mich von keiner Welt jemals abhängig und das macht einiges einfacher.« David LaChapelle spricht sanft, extrem überlegt. Ein Außenseiter, der es in der Mode sehr weit gebracht hat. LaChapelles kommerzielles Portfolio sprengt sich selbst, findet man darin alle Persönlichkeiten, die unsere Popkultur in den 80er, 90er und 00er Jahren maßgeblich mitprägten – Britney Spears, Michael Jackson, Leonardo DiCaprio, Tupac Shakur, Pamela Anderson. Obendrauf dutzende Modekampagnen und Musikvideos. In einem gängigen Kunstkontext ist LaChapelles Werk nicht einfach zu verstehen, wirken seine Arbeiten zunächst doch oft so platt und ohne Intellekt? Gegen diese Denkmuster musste sich bekanntlich auch schon sein erster Arbeitgeber, Andy Warhol, behaupten und erst bei etwas genauerer Auseinandersetzung mit seinen Fotografien wird plötzlich deutlich: er fordert von uns ein Verständnis für Popkultur, ebenso wie für Kunstgeschichte – die Renaissance dabei im besonderen – und Weltgeschehen. Zum Verständnis bleibt uns am Ende nichts anderes übrig, als dass wir uns von herkömmlichen Denkweisen lösen müssen. Denn Relevanz hat nicht unbedingt etwas mit persönlichem Gusto zu tun. Auf die Frage, wie sein Verhältnis zu Tupac Shakur war: »Tupac war zunächst Künstler, Musik seine Ausdrucksform. Er adaptierte die Welt um ihn herum und übersetzte diese auf sein eigenes Werk. Ich habe damals eine Menge Rapper fotografiert, kein anderer hätte sich so inszenieren lassen. Und ob man schwul, hetero oder ein Transvestit war, interessierte ihn schon gar nicht.« LaChapelle und Tupac, ein Vergleich der sich anbietet. Beide provozieren sie unsere Denkweisen zu tiefst – Kunst, die nicht gerahmt sein muss, um zu funktionieren und die am Ende mehr Auseinandersetzung fordert als so manche Eintrittskarte fürs MoMa. In Teilen ist LaChapelles Werk eine harsche Kritik an unserer Gesellschaft, an unserem moralischen Wertesystem. Dennoch: stets bietet er uns im gleichen Atemzug einen positiven Blick auf unsere Probleme, gibt uns eine Alternative, immer überfüllt mit purem Glück und reiner Freude. »Ich glaube, dass jeder eine Verantwortung gegenüber seiner eigenen Arbeit haben sollte. Das kann in der Kunst, genauso wie in der Mode der Fall sein. Ohne Frage begeistere ich mich für diese, aber dennoch begreife ich sie als eine Art Nachtisch. Sie kann nicht das einzige sein, für das du lebst. Sie ist Teil deines Lebens, aber nicht alles.« Nur selten zeigt sich LaChapelle noch in einem modischen Kontext. Für die Marke Diesel konzipierte er jüngst die neueste Kampagne inklusive Film. »Make Love Not Walls« hat dann auch wenig mit Kleidung zu tun – wir sehen den Balletttänzer Sergei Poloulin tanzend an einer Mauer, dazu ein Meer aus Blumen, eine Transgender-Hochzeit. Eine Kampagne, so beladen mit Kitsch wie mit Zeitgeist. »Von einem Foto in einem Magazin wird nichts erwartet, außer dass es einen Celebrity gut aussehen lassen muss oder Mode zeigen soll.« Es geht ihm immer um die Kontextualisierung, denn LaChapelle arbeitet nah am Zeitgeist. Das Leben als Inspiration.
»Die Welt wird, nicht nur durch extreme Formen von Individualismus, sondern vor allem durch leidenschaftliche Menschen nach vorne katapultiert. Du musst unbeliebt sein und alles riskieren«, schreibt Jefferson Hack weiter. Ob er mit seiner Arbeit jemals zu weit gegangen ist frage ich David LaChapelle.»Definitiv.«
published L’Officiel Germany, Print Issue Mai 2017

25 degree. 
Everyone is wearing their summer clothes. A girl
in a tiger pattern dress, 
cheap flower prints, beautiful patterns.
A guy in an orange/blue T-shirt with sunflowers.

He's eating cherries out
of his pockets and selling weed. The sea
in front of him
a palace behind.

The wind, here vivid, blown up and blown away.

Over the last few decades fashion images have engaged with new technology and proved politically and aesthetically provocative, economically useful, and ideologically powerful. But besides the massive amount of printed and online media on fashion photography circulating throughout our world, critical accounts of fashion photography are a lot harder to find. Photographic commentary has yet to contract with fashion photography in a much more sustained way and its perception of purpose and history hasn’t helped it gain status yet within cultural studies. Most often closely linked to its tying with commerce, its coquetry with the trivial and frivolous as well as its ephemeral character, fashion imagery still generally gets stuck in a narrow range of importance in cultural and visual contexts. If we look at fashion photography in a more nuanced way, we should maybe ask the seemingly obvious yet impossible to answer question of how we define the genre of fashion photography and which responsibilities it can take on. It would be wrong to examine fashion photography only through the eyes of advertisement or prettiness. It would overlook its ability to be a possible form of (self-) -expression, commentary on the world at large and/or reflection of time. Our everyday lives are oversaturated with fashion images, magazines and blogs. The amount of fashion editorial production and publishing seems to now almost equal that of daily newspapers. Huge traffic and massive output leading to an overall opinion of fashion as mass media without any importance to add to the so-called »real« world? It really hasn’t gotten any easier to check the quality and importance of fashion photography as a serious form of possible expression and mirror of our culture. On top of that, a fashion photograph and its importance are dependent on a whole network of influences. As Margaret Maynard argued in her essay »The Fashion Photograph: an ecology«, a fashion image is less a result of individual minds than a product of a variety of variables surrounding its production, publishing and consumerism. Maynard’s approach suggests that fashion photography and its relevance is best understood not in terms of the photographer as an author, or in terms of the fixed formal rules that constitute an established genre. It is much more a set of shifting practices without consistent rules or straightforward histories that are able to form and showcase its relevance. In June 1945, the US version of Vogue magazine published a war photography series called »Believe it«, taken by the surrealist turned fashion photographer turned war correspondent Lee Miller* (the British version of Vogue had to publish different images of her war photographs due to reasons of propaganda). Miller’s coverage clearly of a documentary nature composed with the unique insight of an official war correspondent propelled Vogue into uncharted territory, far beyond its normal remit. As Anthony Penrose, Miller’s son, commented on this publishing decision decades later: »Vogue’s printing of Lee’s material represented an achievement in fashion publishing which has never been repeated.« Willingly or not, American Vogue certainly respected Miller’s wish to picture victims and torturers, though by running her war photographs next to its fashion content, it obviously made them seem decontextualized. Yet in a discussion on the relevance of fashion photography, in this example we should focus on Vogue’s role as a fashion publisher. On the one hand, the printing of Miller’s images and the juxtaposition of two seemingly strangely contrasting genres has raised ethical questions and the issue of trivializing history. On the other hand, a juxtaposed photo-reportage like this might be necessary, if not crucial, for a universal understanding of what is going on in the world at a given time. Don’t we need a view of the world at large that always includes both the good and the bad, the pretty and the ugly, the horror and the loving in order to understand it? If it matters, it matters. In the end, isn’t it every magazine’s job to take on the responsibility of its time – in fashion and beyond? Miller and Vogue’s visual war coverage also clearly shows the idea that we should create and be constantly willing to re-envision and define the boundaries within which we work and live – and to adopt a certain fearlessness in our own lives and therefore our images and magazines. As a more recent example, Camilla Nickerson’s body of work as a fashion editor and stylist has been one of the most notable since the nineties for defining the moment and the undeniable link to its zeitgeist. Whether it’s a transgressive Juergen Teller portrait or the unnerving sight of Kate Moss apparently captured by surveillance cameras in Nick Knight’s »Courrèges Edge« editorial (US Vogue, 1995), Nickerson’s photo stories are characteristic for their documentary effects in a field that is rarely concerned with realism. »Fashion can be a conduit for ideas, there’s always a message beyond (…), some kind of cultural comment. You might not be directly aware of it, but if it touches you, then something is being communicated. It’s incredibly difficult to convey magic in a photograph with such an influx of images all the time, but when it does work, it really stays with you«. In 1996, Camilla captured the mood of the 90s in her and writer Neville Wakefield’s book »Fashion: Photography of the Nineties«. Its editorial strategy was to juxtapose fashion images with counterparts from the world of art and therefore display the influence of darker and more subversive ideas on styles of fashion photography in those years. Confrontational and often dystopian images by photographers such as Nan Goldin and Cindy Sherman were published alongside the work of David Sims and Steven Klein. It demonstrates the blurring lines of fashion photography and fine art (photography) and therefore deals with its ongoing issues of irrelevance and importance, triviality and value. Nickerson clearly shows throughout her images that fashion can clearly become documentary and documentary can clearly become fashion. Understanding fashion photography as a serious medium of expression means to not only include a constant view and reflection on the world but to also certainly exclude our self-made boundaries within contemporary culture. Or in Nickerson’s words: »I’m always hoping (that on the day of the shooting) something happens and you just hope that it’ll fly. That it’ll become something that transcends time. That you will remember. You hope that it poses a question.«
Published 2016 via previiew

Ich kann mir nicht helfen, das Elfenhafte, das Heldenhafte, scheint nicht fern. Und klar, sie hat Recht, denke ich mir. Mehr als ihre weltbekannten Produktionen interessiert mich, wer mir da gegenübersitzt. »Irgendwie wollen die Leute immer wissen was man gerade so macht. An welchem neuen Hollywood-Film man arbeitet. Ehrlich gesagt arbeite ich an keinem.« Wir sitzen auf dem Sofa. Liv Tyler head-to-toe in schwarz. Ich kann mir nicht helfen, das Elfenhafte, das Heldenhafte, scheint nicht fern. Und klar, sie hat Recht, denke ich mir. Mehr als ihre weltbekannten Produktionen interessiert mich, wer mir da gegenübersitzt. Die 38-Jährige ist gerade aus den USA nach England gezogen, die Herr der Ringe/Armageddon-Vergangenheit scheint weit entfernt und unser Gesprächsstoff ist ein anderer. Die Gegenwart? Sie arbeitet universell, widmet sich schöpferisch der Mode, spielt in der Fantasy-HBO-Serie The Leftovers. »Wollen wir über die Liebe reden? Ich habe da ein Zitat von dir, das mir im Kopf geblieben ist. Es nicht noch nicht allzu lange her. Du meintest einmal: »In deinen Dreißigern gibt es einen Punkt, an dem etwas Interessantes passiert. Du glaubst nicht mehr an Prinzessinnen und an das Glück bis in alle Ewigkeit. Es ist eine andere Wahrnehmung der Liebe und Beziehungen. Für immer ist eine lange Zeit.« Das klingt romantisch und beinahe brutal realistisch zugleich.« »Ja, da ist schon was dran. Ich meine, dieser Ewigkeitsgedanke funktioniert doch so bedingungslos in unseren Beziehungen zur Familie oder in vielen Freundschaften. Warum fällt es uns in dieser einen Liebe dann so schwer? Es gibt genug Beispiele die uns eines Besseren belehren, aber tief in mir glaube ich fest daran, dass es magisch bleiben kann. Jeden einzelnen Tag und immer auf ein Neues.« Es gibt diese Menschen, die dich mit ihrer Aura einfangen. Du schaust sie an und bist fasziniert, egal ob du sie kennst oder nicht. Liv Tyler ist groß gewachsen, zurückhaltend und überlegt. Der Gedanke, dass sie jemals lauter werden könnte, funktioniert nicht so richtig. »Die Frage, ob es richtig ist, was ich in einem bestimmten Moment gerade mache, sei es eine Serie drehen oder Mode designen, kommt nicht mehr so wirklich auf. Ich versuche das Wort Risiko auszu- blenden und sehe die Dinge vielmehr als Herausforderung. Das Schlimmste, was mir passieren kann, ist doch, dass ich scheitere, oder? Ich bin mit starken Frauen um mich herum aufgewachsen. Meine Mutter und Großmutter haben sich niemals über irgendetwas beschwert, nicht in den schwierigsten Zeiten.« Die Zeiten für Liv Tyler stehen gut. Sie ist erneut Mutter geworden und mit ihrer Familie nach London gezogen. Die englische Trockenheit, die (noch) Nähe zu Europa, die liebt sie. Und wenn ich nicht in meinem Zuhause bin, dann habe ich diese komische Faszination für Nicht-Orte. »Diese Momente, an denen du irgendwo im Nirgendwo bist. Flughäfen oder Bahnhöfe zum Beispiel. Du befindest dich da in einem Raum, den es eigentlich gar nicht gibt. Niemand wohnt dort und Menschen begegnen sich, die sich sonst niemals getroffen hätten. Diese Orte haben eine so unfassbare Neutralität. Irgendwie hat mich dieser Gedanke schon immer gefesselt.« »Wie in diesem Hotelzimmer, in dem wir uns gerade befinden.« »Ja, verrückt oder? Man trifft sich, um jemanden kennenzulernen und der Ort sagt nichts über diese Person aus. Erst durch ein Gespräch weiß man am Ende, das der Gegenüber eine hoffnungslose Romantikerin ist und keine Filme dreht. Hah.«
Published L’Officiel Germany, Print Issue March 2017